Angela Nikolau es una artista neoclásica cuya obra investiga los límites de la experiencia humana. Mediante performances en azoteas, torres y otras alturas arquitectónicas, transforma momentos de miedo, vulnerabilidad y riesgo extremo en obras visuales que permiten al público sentir y experimentar plenamente su estado.

Sus audaces interpretaciones le han valido reconocimiento internacional y cobertura mediática en The Guardian, Variety, The Hollywood Reporter, Rolling Stone, The Wall Street Journal y otros medios. Es protagonista de documentales como Skywalker: A Love Story, un largometraje de Netflix que se estrenó en Sundance.

Más allá de su arte, Angela colabora con marcas internacionales como Diesel, Saint Laurent, Cartier, Adidas, Samsung, Pandora, Coca-Cola y Honor. Actualmente, sigue explorando los límites del arte, combinando performance extrema, datos biométricos, tecnología y pintura en un lenguaje interdisciplinario único.

KAMPUS inició su trayectoria artística en su adolescencia, pintando grafitis en las paredes de la escuela y en las calles de Lisboa. Lo que comenzó como un impulso por dejar huella evolucionó lentamente hasta convertirse en un lenguaje visual coherente, basado en la observación, el humor y la distorsión.

Se hizo famoso por su personaje recurrente “Sausage”, que aparecía por toda Lisboa: sencillo, atrevido e inconfundible. Esa temprana presencia en la calle marcó su estilo: directo, desenfadado y sin miedo a las situaciones incómodas.

Hoy, su obra transita entre la pintura y el dibujo, comenzando siempre con bocetos casi compulsivos basados ​​en la memoria. Observa la vida cotidiana y busca lo peculiar en lo banal. Las formas se distorsionan, exageran y simplifican, persiguiendo esa sensación de rareza, fealdad y humor, esa sensación con la que puedo convivir.

Kampus crea imágenes ligeramente extrañas pero profundamente humanas. Su objetivo es simple: brindar alegría a la gente; algo peculiar, quizás un poco tonto, pero reconfortante. Como un gesto espontáneo que se siente más auténtico que cualquier cosa ensayada.

Roman Reznitsky (nacido en 1978) es un artista internacional reconocido por su estilo versátil y su singular visión artística. Con formación en diseño gráfico por la Escuela Superior de Diseño Gráfico de Moscú y en arquitectura por la Universidad Estatal de Novgorod, su obra combina el pensamiento estructural con un potente lenguaje visual.

Su obra explora la comunicación a través de elementos simbólicos como el ojo y los labios, que utiliza como canales visuales para expresar emociones e interactuar con el espectador. Trabajando principalmente con acrílico, Reznitsky crea composiciones audaces que combinan profundidad conceptual con un estilo inconfundible.

Su práctica artística se mueve entre dos direcciones principales: el arte pop y el arte de puntos. Mientras que sus obras de arte pop son reflexiones vibrantes y provocadoras sobre la sociedad contemporánea, su serie de arte de puntos introduce una estética minimalista en blanco y negro centrada en el ojo como símbolo de percepción y perspectiva.

Gareggin nació, vive y trabaja en Ereván, Armenia. Su obra representa una armoniosa fusión de enfoques tradicionales y contemporáneos, donde las técnicas clásicas inspiradas en el Renacimiento se entrelazan con elementos del surrealismo y el arte pop. Gareggin se inspira en la naturaleza y las texturas del mundo que lo rodea, como las superficies de la piedra, las pieles de animales y otros materiales.

En las pinturas de Gareggin, realidad y fantasía se fusionan, creando un espacio para la reflexión sobre la búsqueda interior y las emociones del espectador. Una de las características de su obra es la diversidad de escalas, que abarca desde piezas pequeñas hasta grandes lienzos y arte urbano. También crea bustos, inspirados en figuras de la historia, la literatura y la moda, así como en sus propios pensamientos, fantasías, emociones humanas y diversos temas filosóficos.

El artista no solo busca la autoexpresión, sino también el desarrollo del arte en el ámbito internacional, combinando técnicas tradicionales con ideas contemporáneas.

Las obras de Gareggin reflejan claramente su deseo de no limitarse a un solo estilo, experimentando constantemente y abriendo nuevos horizontes para la autoexpresión.

Paula Paes Leme (1970, Río de Janeiro) es una artista visual brasileña radicada en Lisboa desde 2019, donde dirige Leme Atelier, un taller-galería abierto en el barrio de Lapa. Este espacio creativo funciona como centro de producción, punto de encuentro y lugar para eventos, fomentando la colaboración y el diálogo con la comunidad artística y cultural.

La práctica artística de Paula explora el ritmo, el color y la estructura gráfica, creando un lenguaje visual vibrante que fusiona la pintura, el diseño gráfico y las experiencias sensoriales. Utiliza la repetición, la variación y el equilibrio como principios fundamentales en sus composiciones, ofreciendo obras que invitan a la contemplación y difuminan los límites entre la abstracción, la imagen y el proceso.

Antes de dedicarse a las artes visuales, Paula tuvo una destacada trayectoria en la industria de la moda y la impresión textil, aportando a su obra una comprensión técnica única que combina la artesanía tradicional con la experimentación contemporánea. Su obra forma parte de colecciones privadas internacionales y ha sido subastada en París, lo que refuerza su reconocimiento en el mercado artístico europeo. Paula también figura en Artprice, lo que demuestra su visibilidad global.

Jack Neto, conocido artísticamente como Leiga, es un artista visual con una trayectoria rica y diversa. Nacido en Guarulhos, São Paulo, en 1996, inició su andadura artística en el pixáção y posteriormente en el graffiti. Graduado en Diseño Gráfico por la Escuela Panamericana de Arte y Diseño, Leiga es un creativo polifacético que trabaja en diversas áreas como el arte urbano, el graffiti y las bellas artes.

Su icónico diseño “BUBBLES” fusiona elementos concretos y abstractos de una manera única, combinando tipografías tradicionales, letras de grafiti y formas geométricas. Esta estética lúdica y vibrante invita al espectador a sumergirse en un universo de colores y formas, despertando la imaginación y la creatividad.

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Guilherme Atanásio es un artista abstracto nacido en Lisboa, Portugal, en 1998. Comenzó su carrera en 2018, desarrollando su práctica a través de la experimentación constante como una forma de traducir su mundo interior a una forma visual.

En 2021, completó una maestría en Ingeniería Eléctrica e Informática, una formación que sigue influyendo en su enfoque a través de la estructura, el proceso y la atención al detalle. Actualmente se dedica por completo a la pintura y trabaja desde su estudio en Lisboa.

Su práctica artística se basa principalmente en la abstracción, con incursiones ocasionales en elementos figurativos y surrealistas. A través de vibrantes paletas de colores, texturas superpuestas y un movimiento dinámico, su obra refleja una filosofía centrada en la presencia, y muchas de sus pinturas evocan una sensación de mantra, ritmo y fluidez emocional, más que narrativas fijas.

Junto con su práctica artística, Atanásio ha colaborado con marcas internacionales como Coca-Cola, Dickies, Street Smash y Paez, y ha desarrollado una marca de ropa de su propia autoría, extendiendo su lenguaje visual más allá del lienzo.

Nassim Nasr se fundamenta en el Minimalismo Expresivo del Color, un lenguaje que he desarrollado en la intersección del Expresionismo Abstracto, el Color Field y el Minimalismo. Busco la profundidad a través de la claridad. El color transmite emoción y memoria. La estructura marca las pautas. Nada es meramente decorativo. Cada matiz, borde e intervalo se coloca con intención. Este lenguaje se mantiene constante en toda mi obra, a pesar de la evolución de los temas. Cada serie es un capítulo de una investigación: cómo la forma y el color pueden capturar la experiencia humana con precisión y sobriedad. Los planos arquitectónicos, los campos saturados y las bandas rítmicas no son identidades separadas. Son variaciones de un problema recurrente: encontrar patrones y significado en el vacío.

Benedetto Daniele Gesmundo, conocido como EMÍR, es un artista pop contemporáneo que reside entre Apulia y Montecarlo. Estas dos localidades han desempeñado un papel fundamental en la configuración de su imaginación visual y su investigación artística.

En su práctica artística, EMÍR desarrolla obras que, partiendo del aparente caos, alcanzan un estado de equilibrio visual y conceptual. Sus lienzos de gran formato están poblados de iconos del cine, la música, el deporte y la moda, inmersos en colores vibrantes, materiales auténticos y fragmentos de la vida cotidiana. EMÍR expone internacionalmente en diversos contextos, desde galerías hasta espacios urbanos, con el objetivo de sorprender al espectador, suscitar interrogantes y dejar una huella visual y emocional perdurable.

SOFTSWISS es una empresa tecnológica internacional, experta en el desarrollo de software para juegos en línea. En 2013, SOFTSWISS fue la primera en introducir las criptomonedas en los casinos en línea tradicionales.

Anna Bukhareva es una artista de Los Ángeles cuya práctica explora la relación entre los estados internos y la realidad externa, examinando cómo la creencia, el deseo, la vulnerabilidad y el poder toman forma visual. A través de imágenes figurativas y simbólicas, su obra se centra en la transformación, la expansión y la autoafirmación.

Enraizado en un marco metamoderno contemporáneo, el lenguaje visual transita entre el realismo y el sueño, combinando referencias clásicas con elementos surrealistas y futuristas. Entre los temas recurrentes se encuentran la abundancia como condición psicológica, la tensión entre control y libertad, y el cuerpo como lugar de verdad emocional.

La obra del artista se ha presentado en importantes exposiciones y ferias de arte internacionales, como la Bienal de Florencia y Zona Maco, y forma parte de colecciones privadas en todo el mundo.