Angela Nikolau est une artiste néo-contemporaine dont le travail explore les limites de l’expérience humaine. En se produisant sur des toits, des tours et d’autres structures architecturales en hauteur, elle transforme des moments de peur, de vulnérabilité et de risque extrême en œuvres d’art visuelles qui permettent au public de ressentir et de vivre pleinement son état.

Ses performances audacieuses lui ont valu une reconnaissance internationale et une couverture médiatique dans The Guardian, Variety, The Hollywood Reporter, Rolling Stone, The Wall Street Journal, et bien d’autres. Elle fait l’objet de documentaires, notamment Skywalkers: A Love Story, un long métrage Netflix présenté en avant-première au festival de Sundance.

Au-delà de son art, Angela collabore avec des marques mondiales telles que Diesel, Saint Laurent, Cartier, Adidas, Samsung, Pandora, Coca-Cola et Honor. Aujourd’hui, elle continue de repousser les limites de l’art, en combinant performances extrêmes, données biométriques, technologie et peinture pour créer un langage interdisciplinaire unique.

KAMPUS a entamé son parcours artistique dès son adolescence, en griffonnant sur les murs de son école et dans les rues de Lisbonne. Ce qui n’était au départ qu’une envie de laisser une trace s’est peu à peu transformé en un langage visuel cohérent, ancré dans l’observation, l’humour et la déformation.

Il s’est fait connaître grâce à son personnage récurrent, « Sausage », qui a envahi toute la ville de Lisbonne : simple, audacieux et immédiatement reconnaissable. Cette présence précoce dans la rue a façonné son approche : directe, ludique et sans crainte de la maladresse.

Aujourd’hui, son travail oscille entre la peinture et le dessin, partant toujours de croquis presque compulsifs réalisés de mémoire. Il observe la vie quotidienne et cherche le singulier dans le banal. Les formes sont déformées, exagérées et simplifiées — à la recherche de ce sentiment étrange, laid, drôle, avec lequel je peux vivre.

Kampus crée des images légèrement décalées mais profondément humaines. Son objectif est simple : apporter de la joie aux gens — quelque chose d’étrange, peut-être un peu ridicule, mais bon pour le cœur. Comme un geste loufoque qui semble plus sincère que tout ce qui a été répété.

Roman Reznitsky (né en 1978) est un artiste international reconnu pour son style éclectique et sa vision artistique singulière. Fort d’une formation en graphisme à l’École supérieure de graphisme de Moscou et en architecture à l’Université d’État de Novgorod, sa pratique allie une réflexion structurelle à un langage visuel puissant.

Son travail explore la communication à travers des éléments symboliques tels que l’œil humain et les lèvres, qu’il utilise comme vecteurs visuels d’émotion et d’échange avec le spectateur. Travaillant principalement à l’acrylique, Reznitsky crée des compositions audacieuses qui allient profondeur conceptuelle et style reconnaissable.

Sa pratique artistique oscille entre deux directions principales : le pop art et le dot art. Alors que ses œuvres pop art sont des réflexions vibrantes et provocantes sur la société contemporaine, sa série dot art propose une esthétique minimaliste en noir et blanc centrée sur l’œil, symbole de la perception et de la perspective.

Gareggin est né, vit et travaille à Erevan, en Arménie. Son œuvre est un mélange harmonieux d’approches traditionnelles et contemporaines, où les techniques classiques inspirées de la Renaissance s’entremêlent avec des éléments du surréalisme et du pop art. Gareggin puise son inspiration dans la nature et les textures du monde qui l’entoure, telles que les surfaces de la pierre, les peaux d’animaux et d’autres matériaux.

Dans les peintures de Gareggin, réalité et fantaisie se confondent, créant un espace de réflexion sur la quête intérieure et les émotions du spectateur. L’une des caractéristiques de son œuvre est la diversité des échelles, allant de petites pièces à de grandes toiles en passant par le street art. Il crée également des bustes, inspirés de personnages de l’histoire, de la littérature et de la mode, ainsi que de ses propres pensées, de ses fantasmes, des émotions humaines et de divers thèmes philosophiques.

L’artiste aspire non seulement à l’expression de soi, mais aussi au développement de l’art sur la scène internationale, en combinant des techniques traditionnelles avec des idées contemporaines.

Les œuvres de Gareggin reflètent clairement une volonté de ne pas se limiter à un seul style, en expérimentant constamment et en ouvrant de nouveaux horizons pour l’expression de soi.

Paula Paes Leme (née en 1970 à Rio de Janeiro) est une artiste plasticienne brésilienne installée à Lisbonne depuis 2019, où elle dirige le Leme Atelier, un atelier-galerie ouvert à tous situé dans le quartier de Lapa. Cet espace créatif sert à la fois de lieu de production, de point de rencontre et de salle d’événements, favorisant la collaboration et le dialogue avec la communauté artistique et culturelle.

La pratique de Paula explore le rythme, la couleur et la structure graphique, créant un langage visuel vibrant qui fait le pont entre la peinture, les œuvres graphiques et les expériences sensorielles. Elle utilise la répétition, la variation et l’équilibre comme principes fondamentaux de ses compositions, proposant des œuvres qui invitent à la contemplation et estompent les frontières entre abstraction, image et processus.

Avant de se consacrer aux arts visuels, Paula a mené une brillante carrière dans l’industrie de la mode et l’impression textile, apportant à son travail une compréhension technique unique qui allie savoir-faire traditionnel et expérimentation contemporaine. Ses œuvres font partie de collections privées internationales et ont été présentées lors de ventes aux enchères à Paris, renforçant ainsi sa notoriété sur le marché de l’art européen. Paula figure également sur Artprice, ce qui témoigne de sa visibilité mondiale.

Jack Neto, connu sous le nom d’artiste Leiga, est un artiste plasticien au parcours riche et varié. Né à Guarulhos, dans l’État de São Paulo, en 1996, il a débuté son parcours artistique dans la « pixação », puis s’est orienté vers le graffiti. Diplômé en design graphique de l’École panaméricaine d’art et de design, Leiga est un créateur aux multiples facettes qui travaille dans plusieurs domaines tels que l’art urbain, le graffiti et les beaux-arts.

Ses œuvres emblématiques « BUBBLES » mêlent de manière unique des éléments concrets et abstraits, combinant des polices traditionnelles, des lettres de graffiti et des formes géométriques. Cette esthétique ludique et vibrante invite le spectateur à s’immerger dans un univers de couleurs et de formes, éveillant l’imagination et la créativité.

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Guilherme Atanásio est un artiste abstrait né à Lisbonne, au Portugal, en 1998. Il a débuté sa carrière en 2018, développant sa pratique à travers une expérimentation constante afin de traduire son univers intérieur en une forme visuelle.

En 2021, il a obtenu un master en génie électrique et informatique, une formation qui continue d’influencer son approche à travers la structure, le processus et le souci du détail. Il se consacre désormais entièrement à la peinture et travaille depuis son atelier à Lisbonne.

Sa pratique s’enracine principalement dans l’abstraction, avec des incursions occasionnelles dans des éléments figuratifs et surréalistes. À travers des palettes de couleurs vibrantes, des textures superposées et des mouvements dynamiques, son travail reflète une philosophie centrée sur l’instant présent, nombre de ses peintures évoquant davantage un sentiment de mantra, de rythme et de flux émotionnel que des récits figés.

Parallèlement à sa pratique artistique, Atanásio a collaboré avec des marques internationales telles que Coca-Cola, Dickies, Street Smash et Paez, et a développé sa propre marque de vêtements, étendant ainsi son langage visuel au-delà de la toile.

Nassim Nassr s’inscrit dans le minimalisme coloré expressif, un langage que j’ai façonné à la croisée de l’expressionnisme abstrait, du color field et du minimalisme. Je recherche la profondeur par la clarté. La couleur véhicule l’émotion et la mémoire. La structure définit les termes. Rien n’est décoratif. Chaque teinte, chaque contour et chaque intervalle est placé avec intention. Ce langage est cohérent à travers mon œuvre tandis que les sujets évoluent. Chaque série est un chapitre d’une même recherche : comment la forme et la couleur peuvent contenir l’expérience humaine avec précision et retenue. Les plans architecturaux, les champs saturés et les bandes rythmiques ne sont pas des identités distinctes. Ce sont des variations sur un même problème auquel je reviens sans cesse : trouver un motif et un sens dans le vide.

Benedetto Daniele Gesmundo, connu sous le nom d’EMÍR, est un artiste pop contemporain qui vit entre les Pouilles et Monte-Carlo. Ces deux lieux ont joué un rôle déterminant dans le développement de son imagination visuelle et de sa recherche artistique.

Dans son travail en atelier, EMÍR crée des œuvres qui émergent d’un chaos apparent pour atteindre un état d’équilibre visuel et conceptuel. Ses toiles grand format sont peuplées d’icônes du cinéma, de la musique, du sport et de la mode, baignées de couleurs acidulées, de matériaux authentiques et de fragments de la vie quotidienne. EMÍR expose à l’international dans des contextes allant des galeries aux espaces urbains, avec pour objectif de surprendre le spectateur, de susciter des questions et de laisser un impact visuel et émotionnel durable.

SOFTSWISS est une entreprise technologique internationale, experte dans le développement de logiciels de l’iGaming. En 2013, SOFTSWISS a été la première à introduire les cryptomonnaies dans les casinos en ligne traditionnels.

Anna Bukhareva est une artiste de Los Angeles dont la pratique explore la relation entre les états intérieurs et la réalité extérieure, en examinant comment la croyance, le désir, la vulnérabilité et le pouvoir prennent une forme visuelle. À travers une imagerie figurative et symbolique, son travail se concentre sur la transformation, l’expansion et l’autonomisation.

Ancré dans un cadre métamoderne contemporain, son langage visuel oscille entre réalisme et rêve, combinant des références classiques avec des éléments surréalistes et futuristes. Parmi ses thèmes récurrents figurent l’abondance en tant que condition psychologique, la tension entre contrôle et liberté, et le corps en tant que lieu de vérité émotionnelle.

Les œuvres de l’artiste ont été présentées lors de grandes expositions et foires d’art internationales, notamment la Biennale de Florence et Zona Maco, et font partie de collections privées à travers le monde.